From my perspective, I see woodcut taking its roots in two artistic movements: the first being international gothic art, and the second renaissance art, which intrinsincly conveys the humanistic values of that period of time.
It’s more than interesting to notice that graphic conventions were directly dictated by the medium employed (wood for the blocks) as other were dictated by graphic and societal conventions. As of today, the technical means that i dispose of allow me to pass through all of it and overcome both cultural and technical obstacles.
Thus, the process of looking back and analyzing how graphic cultures of eastern europe did represent the things five centuries before is primitively motivated by the will to discover a way to depict the world that is no longer of use. The technological urge to learn, and any form of need being entirely absent, I believe,leaves the artistic desire lead the way and explore the path.
My way to practice that art is in itself at the crossroads of several artistic motivations:
The wish to practice and recreate a way to depict bodies, symbols and objects that no longer exists today. In XVIth century, the woodcuts of Michael Wolgemut, or later, Albrecht DĂĽrer were state of the art means to put the world into image. Five centuries of progress made in the art field leaves the past artists as a form of archeological singularities, let for the eye to explore at will. The wish to practice that form of long forgotten art is not as strongly a primitivist approach, as it is a way to take back and make alive again an art practice that is no longer of use.
In practice, the artistic render evokes the medieval and modern period, in its symbolism, the postures, the graphic conventions around bodies and character traits, but also in the alea intrinsincly linked to the techniques and medium employed (cutting a wooden block, fiber paper printing)
The second wish is the one of the expression itself: as an artist i wish to use the medium as the manifestation of my own creativity, and take as mine the techniques I learn from studying the master engravers of the past. The pride taken in creating an artwork that resembles the ones i studied for years, and seeing fewer and fewer differences with the time, is a form of joy that tethers me to my interest in that particular form of art. The expression here has a meaning both in terms of technè and poiesis. (Those terms are to be taken cautiously, and with Aristotle nearby to ensure the use i made of it is valid.)
Technè stands for the use of techniques and the pleasure to witness with enough time a form of mastering of the artistic process (drawing, mastering the quills and gouges) and the Poiesis, which allows mental representation to take form in effect, in a graphic representation. The practice itself, of that form of art. This second dimension is of capital importance in my conception of the art process, because it excludes the act of copy, or facsimile. Even though i understand copying is a great way to get started and maybe allow better results than the longer path to come up with orginal designs, i prefer the latter. This comes along with an internalization of works of art and other inspiring contents, and a load of internal work to “process” that and allow pieces of art to become trully a source of inspiration. Then, the restitution takes part in the process, in which the human is perfect in its imperfection and the mens will omit and alter certain parts even without noticing. At this moment, during this act of imperfection, the partial art that was somehow rendered can be called an original work of art. And this form of emergence is for me in truth, the expression itself.
La gravure s’inscrit la croisée entre le courant médiéval du gothique international, et l’art de la renaissance, qui participe de l’entreprise humaniste au sens philosophique.
Il est intéressant de noter que certains codes étaient respectés du fait de la contrainte du medium (le bois) et d’autres, par convention culturelle. Aujourd’hui, les moyens techniques mis en place me permettent de surmonter ces contraintes aussi bien culturelles, que techniques.
La démarche de revenir à des modes de représentations antérieures de V siècles est donc premièrement motivée par une manière de représenter l’art.
Ma manière de la pratiquer elle, est à la croisée de plusieurs désirs artistiques :
Le souhait de pratiquer et faire perdurer une manière de représenter des corps et des objets qui aujourd’hui n’est plus. Au XVe siècle, les xylographies de Wolgemut ou plus tardivement de Dürer étaient des moyens modernes de mettre le monde en image. Les cinq siècles qui ont suivi ont surpassé de très loin les moyens et les attentes que l’on a de l’image. Ce souhait de revenir à une représentation différente n’est pas tant une démarche primitiviste, car les techniques employées demandent une véritable maîtrise Il s’agit plutôt de sophistiquer une pratique qui n’est plus employée, afin de proposer une culture alternative de l’image. En soi, cela constitue une première forme de divergence : cultiver un art graphique hors des représentations actuelles.
L’idée est d’obtenir un rendu artistique évoquant le médiéval et la période moderne, dans la symbolique, la représentation des postures, et également les alea propres aux techniques employées (gravure, impression sur papier)
Le second souhait est celui de l’expression : Le souhait de manifester ma propre dimension créative, par cet ensemble de techniques que je souhaite m’approprier. La fierté prise à créer une œuvre participe de l’intérêt que je porte à ce mode d’expression.
Expression a double titre : technè et poiesis. Sous réserve de relire Aristote pour bien valider que les concepts employés soient les bons, cette démarche artistique se place dans l’expression tant pour La Technè : l’utilisation des techniques et le plaisir de constater une forme de maitrise des compétences artistiques (dessin, maitrise de la plume, de la gouge) que La poiesis : qui fait passer la représentation mentale en représentation graphique effective. La pratique, pour ainsi dire de cet art de représentation. Cette seconde dimension est importante pour moi car elle exclut la copie directe. Elle suppose un exercice de mentalisation des œuvres d’art et différents contenus d’inspiration, puis de restitution, en altérant les concepts involontairement, car loin de me saisir d’une œuvre en totalité, j’en omets certaines parties, et puise dans mon imaginaire inconscient pour les re-créer, ou bien les remplacer. Elle forme ainsi un acte de copie partiel, qui fait appel à un effort de tout mon être, dans sa dimension mentale, créative, et produit simultanément une forme de surgissement qui échappe partiellement à mon contrôle. C’est pour moi véritablement cela, la dimension d’expression.